Jorge Ortuño

No sabría escribir un currículum al uso sin que me suene a algo innecesario. Podría enumerar exposiciones, etapas o influencias, pero sospecho que no diría demasiado. Prefiero acercarme desde otro lugar, uno menos catalogable, más fiel a lo que realmente ocurre cuando trabajo.
Mi pintura nace de una necesidad sencilla y persistente: pintar. No responde a un programa ni a una estrategia, tampoco a la voluntad de encajar en un contexto
determinado. Es algo más primario, casi físico. Principalmente pintura, con alguna incursión puntual en la escultura, que aparece sin hacer ruido, como una derivación
natural del gesto, como si la materia reclamara volumen en determinados momentos.
Trabajo desde una posición deliberadamente independiente. No me interesa seguir modas ni dialogar con tendencias pasajeras. Mi lenguaje se ha ido construyendo al
margen, de forma lenta, a base de insistencia, error y hallazgo. No busco una pintura amable ni complaciente, ni tampoco una imagen que funcione como objeto decorativo.
Me interesa otra cosa: una pintura que tenga peso, que aunque incomode a veces, obligue a mirar más de una vez. Me muevo en un territorio cercano al neoexpresionismo, con afinidades hacia el art brut, y una manera de construir las imágenes más intuitiva que académica. Lo humano es el eje: figuras que cargan, que resisten, que avanzan o se detienen. Presencias que no siempre se explican, pero que insisten. A veces emergen símbolos —una red que
captura una tormenta, cuerpos en huida, cabezas que se transforman— no como ilustraciones, sino como apariciones necesarias, como formas de decir lo que no
encuentra otro lenguaje.
Mi trabajo parte de la observación de lo que me rodea, pero no se queda ahí. Lo observado se transforma, se deforma y se reinterpreta hasta convertirse en algo propio, en un lenguaje pictórico autónomo, más cercano a la memoria o a la intuición que a la representación fiel.
No necesito mucho para representar. A veces basta una silueta, uno o dos ojos, una presencia mínima. Me interesa la síntesis, pero una síntesis cargada de intención.
Trabajo con colores contenidos, con predominio de grises y tierras, evitando el efecto fácil. La materia tiene un papel fundamental: las superficies se construyen con capas, con peso, con texturas que a veces incorporan elementos ajenos a la pintura. No hay jerarquías en los materiales; todo puede formar parte si suma, si deja huella.
Pintar, para mí, tiene más que ver con jugar que con trabajar. Con esa forma de insistencia libre que tienen los niños: repetir sin cansancio, descubrir sin expectativa,
equivocarse sin miedo. Pero no es un juego ingenuo, sino un espacio de libertad donde la pintura ocurre sin estar completamente sometida a la voluntad.
Con los años, la mirada cambia. Aquella necesidad de ocupar un lugar o de ser reconocido pierde importancia y deja paso a algo más esencial: el deseo de seguir
haciendo. Sin urgencia, sin ruido. Desde una libertad que solo aparece cuando uno deja de compararse y de justificarse.
Mi posición es clara: he elegido mantenerme al margen del circuito del arte tal como funciona hoy. No desde el rechazo, sino desde la coherencia personal. Prefiero una relación directa con lo que hago, sin intermediarios que la condicionen ni discursos que la encuadren. Pinto para entender, para explorar, para sostener esa conversación íntima que empezó hace muchos años y que aún continúa.
Antes hubo música —discos, escenarios, viajes— y también una vida profesional en el diseño y la publicidad que me permitió no depender nunca de la pintura para vivir. Esa circunstancia, lejos de ser secundaria, ha sido decisiva: me ha permitido preservar la pintura como un espacio de libertad real, sin concesiones.
A los 74 años, sigo aquí. Pintando, componiendo música, aprendiendo. Probando. Insistiendo.
Y, en el fondo, todo se resume en algo muy simple: no lo hago para llegar a ningún sitio, lo hago porque no sé dejar de hacerlo.